Wednesday, December 21, 2011

ОСТАТЪЧНА ИДЕНТИЧНОСТ


ОСТАТЪЧНА ИДЕНТИЧНОСТ

Както е известно проблемът за идентичността в съвременния свят, а и в съвременното изкуство е драматичен. Старите модели на самоидентификация, които ни завещаха Просвещението и Модерната епоха са в руини. Идентичността вече не се основава на очевидности или митове, защото светът днес е повече от всякога релативен и миниран от конфликти, които се самовъзпроизвеждат. И макар, че на теория вихрите на глобализацията предполагат възникването на безброй нови конструирани идентичности, остава въпроса: спрямо какви ценности да се подредят те? И също така: какво е ценност и постижение днес?
В границите на живописта отговорът на този въпрос е особено неясен след като през последните няколко десетилетия тя се превърна от основен изобразителен жанр в един вид концептуално допълнение, подчинено на въпроса: “Какво е съвременно изкуство?” Нещо повече, въпросът вече е: “А, може ли да има съвременна живопис?” Първо, каква да е нейната естетика след като понятието красиво е неясно?; второ, какви да са целите й, когато се колебаем в първото?; трето, къде да търсим нови основания, дали в класическите техники или пък във възможностите на дигиталните медии и т.н.
И така, Богдан Александров, един от активните български художници от поколението на прехода ни предлага изложба озаглавена “Остатъчен образ. (манифест)” Когато я разглеждаме, разбира се, трябва да имаме предвид, че той е роден и живее в граничен регион (Видин, Северозападна България), където не само се събират три балкански граници, но тече общоевропейската река Дунав и е съвсем естествено, той самият да си е задавал безброй пъти въпроса за собственият си произход и идентичност. Демонстрирал е на практика това в творчеството си до сега. Но в цикъла живопис “Остатъчен образ” няма да намерим и намек за самоопределяне в посока на произход или националност. И не защото покрай бреговете на Дунав не се чуват различни национални езици и мелодии, а защото граници особено в пространството на съвременното изкуство вече няма.
За определяне на своята “остатъчна идентичност”, Богдан Александров избира едно “малко лично пространство” (името на цикъл картини). И това пространство е свързано с една лична трагедия – неизличимо душевно заболяване на човек от неговото семейство. Използвайки указанията и практиките за лечение на лица с интелектуални увреждания, художникът разширява известното изречение на Йозеф Бойс от “Всеки човек е художник” до “Всяко същество, дори и болното е художник”. Виждаме серийни образи: методично повтаряне на петна, непрекъснато изреждане на несложни методически текстове. Ръката и устните се движат като че ли сами и без усилие, в преследване на нормалността, за подсетят, че нормалността на човешко се постига в движението, в опита за напредък. Дори и когато това движение, и този напредък са съвсем прости и непретенциозни. Остатъчен образ от остатъчно движение със своя проста естетика и просто послание: да търсим нормалността, да търсим смисъла гледайки напред. И в противовес на абсолютните образи от музеите, които пазят историята, но не ни помагат достатъчно, за да проумеем съвременността.
Разчетена така изложбата “Остатъчен образ. (манифест)” вече се превръща в една метафора, която засяга не само психопатологичното, а патологичното в съвременния свят въобще. Метафора на чудовищните сътресения, които преживяха Балканите през последните години и метафора на цивилизационните катаклизми, които разтърсват света днес. Кои са остатъчните ценности в нас и как да ги упражняваме просто, за да ги предефинираме и върнем силата им в бъдеще. Какво остана от нас за да бъдем себе си?
Богдан Александров ни отговаря по свой начин на този въпрос чрез метод, който най-общо се нарича пост-живопис. С прости образи, с осъзнати изобразителни жестове, с акцентиране върху смисъла от създаването на един нов образ. Без наивност, крайности или ярост, а градивно, смирено и упорито, и с верност към принципа на усилието. И в това наистина има и красота, и смисъл. А и надежда.

Руен Руенов, художествен критик

RESIDUAL IDENTITY


RESIDUAL IDENTITY

As it is known, the problem of identity in the contemporary world, as well as in the contemporary art is dramatic. The old models of self-identification, which are bequeathed by the Enlightenment and the Modern Age, are in ruins. Identity is no longer based on obviousness and myths, because the world of today is more than ever relative and undermined with self-generating conflicts. Even though in theory the whirlwinds of globalization presuppose the origination of countless new constructed identities, there remains the question: In relation to what values should they be arranged? And likewise: What is ‘value’ and ‘achievement’ today?
Within the boundaries of the art of painting the answer to this question is particularly vague, since during the last few decades painting has transformed from a major pictorial genre into so to speak a conceptual supplement subordinate to the question: What is ‘contemporary art’? What is more, the question now is: And can there be a contemporary art of painting? First, what should its esthetics be, since the idea of beautiful is vague; second, what should its aims be, since we are hesitant about the first; third, where should we look for new reasons – whether in the classic techniques or else in the means of the digital media, and so on.
So, Bogdan Aleksandrov - one of the most active Bulgarian artists from the generation of the transition period - offers us an exhibition entitled ‘Residual Identity (Manifesto)’. When seeing it, of course, we should take into consideration that he was born and lives in a border region (Vidin, North Western Bulgaria) where not only three Balkan borders gather, but also the pan-European river Danube flows, and quite naturally he has over and over again asked himself the question about his own origin and identity. He has in practice demonstrated that in his art so far. However, in the series “Residual Identity” there is not a slight allusion to self-determination in terms of origin and nationality. Not that along the banks of the Danube various national languages and tunes cannot be heard; it is because there are already no boundaries, especially in the space of the contemporary art. For determining his ‘residual identity’ Bogdan Aleksandrov chooses one “small personal space” (the name of the series of paintings). And that space is related to a personal tragedy – incurable mental disease of a member of his family. Through using the instructions and practices in treating persons with intellectual disability, the artist changes the fabled sentence of Josef Boys ‘Every human is an artist’ into ‘Every human creature, even the sick one, is an artist’. We can see serial images: methodical repetition of spots, incessant enumeration of non-complex methodological texts. Both mouth and hand move as if by themselves and effortlessly, in pursuit of normalcy, in order to remind that the normalcy of human is achieved in the movement, in the attempt for advance. Even when this movement and this progress are quite simple and unpretentious. Residual image of a residual movement with its simple esthetics and simple message: to search for normalcy, to search for the meaning by looking ahead. And as opposed to the absolute images in the museums, which keep the history, but do not sufficiently help us to comprehend contemporaneousness.
Interpreted in such a way the exhibition ‘Residual Image (Manifesto)’ is now transformed into a metaphor, which is concerned not only the psychopathological, but also the pathological in the contemporary world in general. A metaphor of the monstrous cataclysms that the Balkans have experienced in the last years, and a metaphor of the civilization cataclysms that shake the world today. Which are the residual values inside us, and how should we simply exercise them so that we can redefine them and restore their power in the future? What has remained of us so that we can be true to ourselves?
Bogdan Aleksandrov answers these questions in his own way through a method that is most generally called ‘post-painting’. With simple images and conscious pictorial gestures, with highlighting the meaning of creating a new image. Without naïveté, extremes or rage; yet constructively, humbly and tenaciously, and with fidelity to the principle of the endeavor. And there really are both beauty and sense in this. And hope as well.

Rouen Rouen, art critic

Saturday, December 17, 2011

MODIFYING PAINTING FROM POST-COMMUNIST EUROPE

Ruen Ruenov



GORDON CARTER AND BOGDAN ALEKSANDROV – MODIFYING PAINTING FROM POST-COMMUNIST EUROPE

Rouen Rouenov


By descent and definition every artist of today is an idiot. Whether he is talented, educated or willing to stand his ground, he is a product of the mass society and his prospects are only in the direction of modifying his idiocy and neurasthenia. I am speaking of rearranging individual gifts in accordance and together with the cultural context. The latter is a feast of the mass culture, advertising and global media soup. Some call this a process of defining new cultural identities in the globally expanded context. In all cases, however, there remain the questions of values and criteria, which in the post-modern era are not universal any more but refer to only limited topos and thus the change in the nature of art. The mass image and its consumption depreciated the cultural diversity and to a considerable extent liquidated the universality of artistic heuristics, and thus all around the world emerged the figure of the artist, self-modifying, lacking confidence in his descent and without the immune system of the creators from the classical age. According to our understanding (outside the market), it is only possible today, for the artist whose quest is expressed in a conformed and incessant ‘correct arranging’ (modificátio) of his temperament – a process which has to lead to a different state, expressing in a new and unique way, the dichotomy of the image – communicativeness (media) and meaning. Perhaps, this is the only possible approach for a well-created image to be recognized as art today. This process certainly does not lead to the creation of integral self-identities because its essence lays in the permanent change, not in the search for the pictorial absolute (dead with the end of modernity), yet also, there is a chance for expressing the transition through time. Thus whether we will determine the images which this modifying artist creates as an autobiographical performance, individual mythology or idiolect, this will not suspend the quality of the battery implanted in his start chronometer – to express an incessant attempt for arrangement, changing the reception in an attempt to render a nuance of originality. In addition, all kinds of talking about the pictorial means and the possible ‘eternal values’ remain subordinate to this process of neurasthenic ‘proper arrangement’ of the present.
These arguments refer to many artists living in various places, but I use them as an introduction to what two artists with different origins (at a first glance), do. Gordon Carter, an Anglo-American from Texas, who has chosen the Balkans as his place for realization, and who before coming to Bulgaria has lived for some time in Romania; and Bogdan Aleksandrov – by nationality Bulgarian, but by origin related to the variegated mosaic of Balkan cultural identities, which in themselves are a millennium-old labyrinth. They are two accomplished artists in the sense of our preceding words. That is, within the framework of the global context, they are artists who modify their origin and character (they do not discover, rediscover or regenerate it in the sense of romanticism) – and this is their chance to be original as far as it is possible in this existing framework, whereas the issue of identity is forsaken because the identity is constantly reconstructed as a puzzle in the images which the artists create.
Here a few words should said about the territory they inhabit as far as it namely is one of the ‘modifying factors’ – not so much as motive, but as a state of consciousness – which drives them in their work. Post-communist Eastern Europe, post-totalitarian Bulgaria respectively, which has simultaneously been subjected to the pressure of two transitions – the transition to the global society which of course has affected every inhabitant of the planet, and the transition from communism to democracy. This process is extremely hampered by the fact that in the communist era both the elementary logic of the society’s functioning and, its value system were completely destroyed. As well as during the years after 1989 the country was subjected to an unprecedented economic and demographic collapse perhaps comparable in feeling only to the era of the Great Depression in the United States. Thus for the man of arts this territory metaphorically is probably as despondent and sorrowful as that in the times of Ovid who wrote his Elegies two thousand years ago in this part of Europe.
Thus, there are two artists for whom the problem of identity in the sense of belonging to some tradition is completely secondary, or if it exists, it is at the level of technical skill. They live and work in a completely remote countryside in the so-called new European democracies, but feel the pressure of globalization just like any other more or less inquisitive and literate people. What remains for them beyond their participation in a limited number of projects in the Bulgarian capital city of Sofia (where they are appreciated as representative figures of the current artistic generation) or somewhere else around Europe – is to make the attempt to modify their origins and attitudes, their local living in the post-communist East-European environment in painting. What follows this in the form of individual artistic projects, what media and meanings?
Gordon Carter is an anti-globalist by conviction, he has chosen to live in the exotic location of a remote Bulgarian province, which seemingly has an idyllic landscape, but the sense of his paintings in no way expresses the idea of escape from the mega-polis in search for harmony and moderation. His painting cycle ‘The Machine Made Man’ to which he owes his reputation on the Bulgarian artistic stage, is an expression of the crisis of man and the human provoked by globalization. More precisely, it is an attempt to analyze the psychic reality in the post-human age. To a certain extent his painting reminds one of classical pop art. It seems, however, that art in the beginning of the 21st century as a mood is exactly opposite to that of the historic vanguard – that of the 60s and 70s in the 20th century when perhaps for the last time, man was an optimist about himself. When man is not capable of planning and making himself, where the global machine manufactures him, (which is also a conscience of the abilities of the artist), then paintings have the nature of diagnosis. There is some evidence of the contemporary psycho-mania of man – the cruel battle with the demons that in flocks invade the net. And it should be mentioned that the diagnoses-documents of Gordon Carter in which he analyses himself are completely reducible to the general mood – those of the man who cannot find landmarks/reference points and peace. Carter is not just an artist of American origin who is occupied with the topic ‘globalization as Americanization’, but has modified himself to discern the problems of conscience through the eyes of the ‘rest of the world’. In his strategy of a modifying artist, he strives to replace his identity with the identity of the other. And portraying himself he reveals the figure of the witness and the subject, as an evidence for the crisis of man. Nothing more: this is the state, this is the achieved phase of rearrangement, this is the landscape inside me. His objective is a statement, which is completely sufficient and fair as a position. From now on, with a certainty in the least, what can be said about Gordon Carter’s painting, is that it is honest and authentic in content and entirely mastered and consistent in terms of its means.
Bogdan Aleksandrov, his Bulgarian colleague and permanent companion of late, bases his paintings on a drama in his family – the circumstance that his only child, his daughterm, is autistic. Aleksandrov uses as a base for his paintings the drawings of his daughter who creates them with therapeutic purposes. He tries to reduce their simplified structure and nature to a communication code as much as is possible with the means of his experience in painting – and the latter is the only thing, which relates him to the not so bad modern pictorial tradition in Bulgaria of the 20th century. Here, too, there is a rearrangement of a private inner state. The choice again is related to a deviation from psychic normalcy – a psychiatric condition as the base for modifying communication and aesthetics. Of course, such a move is not particularly a novelty, but what is significant here is that we are not even speaking of metaphor, but of a change in the artist’s position. Regarding the conventional idea for professional art – this is somewhat a sanction – everyone who feels the urge and creates images (in this case a mentally ill child) is an artist and the meaning of the image is not ‘art for art’s sake’, etc.; regarding the political in general, this a frank dealing with the myth of common sense and its obvious invalidity after the end of the modern age. By descent Bogdan Aleksandrov has enough reasons to be occupied in his art with the cultural and ethnic traces in the Balkans (he has done that before by using a conceptual key), and yet he chooses for himself a ‘residual identity’ – an identity demoted and reduced to marginality – that of his mentally ill child as a modifying base for expression. The answers he reaches in his ‘approach of designation’ – following the psycho-motoric automatism, meta-letric signs, literal overlay of normative texts, subordination of aesthetics to the sensory-gesture beyond intelligence or ‘the artistic mastery’ and so on – are all in my opinion an attempt to rearrange painting in contemporary conditions. At that, I think, is much richer and more interesting than the painting, which complies only with itself. Here posed are the questions of identity, of minority and marginalized viewpoints without which the world of today cannot be understood. Thus, without stating that this painting is something unexpectedly new, it is after all an attempt for rendering a different meaning to the image with the refined means of a real professional.
In conclusion, the works of Gordon Carter and Bogdan Aleksandrov are representative of the changes on the Bulgarian artistic stage which over the last twenty years has been exclusively dynamic in regard to the preceding ideologically tabooed period. The figure of the ‘modifying artist’, whom we represent here through their art, of course an eclectic in the post-modern age, but his concretizations are not simply expressed through some kind of eclecticism, but as it is obvious, result from intense inner work of the individuality in its attempt to rearrange itself within the rapidly changing framework.
So thus what we named idiocy and neurasthenia in the beginning are actually a compensatory and natural inner battle for the survival of the personality in the form of unprecedented dynamics. In regards to the art of painting, this is an attempt at it remaining painting in the world of the network.


ГОРДЪН КАРТЪР И БОГДАН АЛЕКСАНДРОВ -
МОДИФИЦИРАЩА ЖИВОПИС
ОТ ПОСТКОМУНИСТИЧЕСКА ЕВРОПА

Руен Руенов


По произход и дефиниция всеки човек на изкуството днес е идиот. Независимо дали е талантлив, образован или има воля да отстоява позиции, той е продукт на масовото общество и перспективите му изглежда са единствено в посока да модифицира своя идиотизъм и неврастения. Става дума за преподреждане на индивидуални заложби съобразно и заедно с културния контекст. Последният е тържество на масовата култура, рекламата и глобалната медийна супа. Някои наричат това процес на дефиниране на нови културни идентичности в глобално разширения контекст. При всички положения обаче остава въпроса за ценностите и критериите, които в постмодерната епоха вече не са универсални, а засягат съвсем ограничени топоси и по тази причина променят характера на изкуството. Масовият образ и консумацията му обезцениха културните различия и в значителна степен ликвидираха универсалността на художествената евристика, и така навсякъде по света се появи фигурата на модифициращия себе си несигурен в своя произход артист, който няма имунната система на творците от класическите епохи. Според нашите разбирания (извън пазара) днес е възможен само художникът, чието търсене се изразява в съобразено и непрекъснато “правилно подреждане” (modificátio) на характера му – процес, който да доведе до различно състояние, изявяващо по нов и оригинален начин дохотомията на образа – комуникативност (медия) и смисъл. Може би това е единствения възможен подход един добре създаден образ да бъде разпознат за изкуство днес. Този процес със сигурност не води до създаването на интегрални самоличности, защото същността му е перманентната промяна, а не търсене на изобразителния абсолют (умрял с края на модерноста), но по тази причина е и шанс за изразяване на преминаването през времето. Така дали ще определим образите, които създава този модифициращ художник като автобиографичен пърформанс, индивидуална митология или идиолект, това не отменя качеството на имплантираната в стартовия му хронометър батерия - да изразява непрекъснат опит за нареждане, изменение на рецепцията в опит да се придаде нюанс на оригиналност. И всякакво говорене за изобразителните средства и възможните “вечни стойности” остават подчинени на този процес на неврастенично “правилно подреждане” на настоящето.
Тези разсъждения засягат всевъзможни съвременни артисти, пребиваващи на всевъзможни места, но аз ги поставям като увод към това, което правят двама художници с на пръв поглед съвършено различен произход. Гордън Картър, англо-американец от Тексас, който е избрал Балканите за свое място на осъществяване и преди да дойде в България е живял известно време в Румъния; и Богдан Александров – по гражданство българин, но като произход свързан с пъстрата мозайка на балканските културни идентичности, които сами по себе си са хилядолетен лабиринт. Това са двама осъществени художници в смисъла на нашите предварителни думи. Тост, в рамките на глобалния контекст, те са автори, които модифицират своя произход и характер (не го откриват, преоткриват или прераждат в смисъла на романтизма) – и това е техния шанс да бъдат оригинални доколкото е възможно в тази съществуваща рамка, а проблемът за идентичността е изоставен, защото тя се реконструира непрекъснато като пъзел в образите, което художниците създават.
Тук следва да се кажат и няколко думите за състоянието на територията която обитават те, доколкото именно тя е един от “модифициращите фактори” – не толкова като мотиви, колкото като състояние на съзнанието - които ги движат в работата им. Посткомунистическа Източна Европа, респективно посттоталитарна България е страна, която е подложена едновременно на натиска на два прехода – прехода към глобално общество, който разбира се засяга всеки жител на планетата; и прехода от комунизъм към демокрация. Този процес е извънредно затруднен от факта, че в епохата на комунизма елементарната логика на функциониране на обществото и неговата ценностна система бяха напълно унищожени. Както и, че в годините след 1989 страната беше споходена от небивал икономически и демографски срив, които може би са сравними като усещане само с епохата на Голямата депресия в САЩ. Така за човека на изкуството тази територия метафорично е вероятно също толкова унила и скръбна, колкото по времето на Овидий, който преди две хиляди години в тази част на Европа написва своите “Елегии”.
И така, имаме двама художници, за които проблема за идентичността в смисъла на принадлежност към някаква традиция е съвършено второстепенен или ако съществува той е на равнище техническо умение. Те живеят и работят в една съвършено дълбока провинция на така наречените нови европейски демокрации, но усещат натиска на глобализацията като всеки друг що-годе любознателен и грамотен човек. Това, което им остава извън участието в ограничен брой проекти в българската столица София (където са ценени като представителни фигури на актуалното художествено поколение) или някъде из Европа - е да се опитват да модифицират в живопис своя произход и нагласи, своето локално битие в посткомунистическа източноевропейска среда. Какво произтича от всичко това като индивидуални художествени проекти, като средства и значения?
Гордън Картар е антиглобалист по убеждения, избрал да живее в едно екзотично място като дълбоката българска провинция, която привидно има идиличен изглед, но смисъла на неговата живопис по никакъв начин не изразява идеята за бягство от мегаполисите в търсене на хармония и умереност. Живописният му цикъл “The Machine made Man”, на който той дължи авторитета си на българската художествена сцена е израз на кризата на човека и човешкото, предизвикана от глобализацията. По-точно, тя е опит за анализ на психическата реалност в пост-хюман (post human) епохата. Донякъде неговата живопис напомня на класическия поп-арт. Но изглежда, че изкуството в началото на ХХІ век като настроение е точно противоположно на това от историческия втори авангард – този на 60-те и 70-те години на ХХ век, когато може би за последен път човека бе оптимист за себе си. Когато човекът не е в състояние да планира и прави себе си, а глобалната машина го произвежда, (което е и също така съзнание за възможностите на артиста), тогава картините имат характера на диагнози. Едни свидетелства за съвременната психомахия на човека – жестокото сражение с демоните, които на ята нахлуват от мрежата. И трябва да се каже, че диагнозите-документи на Горъдън Картър, в които той анализира себе си са напълно сводими към общите настроения – тези на човека, който не може да намери ориентири и успокоение. За мен най-интересна е позицията, от която се прави това. Картър е не просто художник от американски произход, който се занимава с темата “глобализацията като американизация”, а се е модифицирал така че да вижда проблемите на съзнанието през очите на “останалия свят”. В своята стратегия на модифициращ художник той се стреми да замени своята идентичност с идентичността на другия. И портретувайки себе си, той изявява фигурата на свидетеля и субекта като свидетелство на кризата на човешкото. Не повече: това е състоянието, това е достигнатата фаза на преподреждане, това е пейзажът вътре в мен. Неговата цел е констативна, което е напълно достатъчно и съвсем честно като позиция. От тук нататък с увереност най-малкото, което може да се каже за живописта на Гордън Картър е, че тя е искрена и автентична като съдържание и напълно овладяна и издържана в средствата си. Един живописец, който знае какво прави и е технически безупречен.
Неговият български колега и постоянен събеседник в последно време Богдан Александров базира своята живопис на една драма в своето семейство – обстоятелството, че единственото му дете, неговата дъщеря е болна от аутизам. Александров използва за основа на своите картини, рисунките, които дъщеря му създава с терапевтична цел. Опитва се да редуцира тяхната опростена структура и характер до комуникативен код, доколкото това е възможно със средствата на своята обиграна живопис – и последното е единственото, което го свързва с нелошата българска модерна живописна традиция на ХХ век. Тук също така имаме преподреждане на частно вътрешно състояние. Изборът отново пада върху отклонение от психичната нормалност – психиатрично състояние, като база модифициране на комуникация и естетика. Разбира се подобен ход не е някаква особена новост, но същественото тук е, че дори не става дума за метафора, а за промяна на позицията на художника. По отношение на общоприетата представа за професионално изкуство – това е известна санкция – всеки, който изпитва потребност и създава изображения (в случая психично болно дете) е художник и смисълът на образа не “изкуство за изкуството” и т.н.; по отношение на политическото в най-общ план това е едно откровено занимание с мита за здравия разум и неговата очевидна невалидност след края на модерната епоха. По произход Богдан Александров има достатъчно основания да се занимава в своето изкуство с културните и етностините наслоения на Балканите (той го е правил в по-ранни години с концептуален ключ), но ето, че избира за себе си една “остатъчна идентичност” - деградирала и доведена до маргиналност идентичност - тази на своето психично болно дете като модифицираща база за изразяване. Отговорите, до които достига той в своя “подход на означаване” – следване на психомоторния автоматизъм, мета-летрични знаци, буквално подлагане на нормативни текстове, подчиняване на естетиката на сетивно-жестовото извън разума или “художественото майсторство” и т.н. – са все така, според мен опит за преподреждане на живописта в съвременни условия. При това, мисля, много по-богат и интересен отколкото например една живопис, която се съобразява само със себе си. Тук е поставен въпроса за различността, за малцинствените и маргиналните гледни точки, без които днес света не може да бъде разбран. Така без да твърдим, че тази живопис е нещо неочаквано ново, тя все пак е един опит за придаване на различно значение на образа с рафинираните средства на истински професионалист.
В заключение, работите на Гордън Картър и Богдан Александров са представителни извадки за промените на българската художествена сцена, които през последните двадесетина години са особено динамични с оглед на предшестващия идеологически табуиран период. Фигурата на “модифициращия художник”, който представихме тук чрез тяхното творчество, разбира се минава под знаменателя на постмодерната епоха, но нейните конкретизации не се изразяват просто чрез някаква еклектика, а както се вижда са резултат на усилена вътрешна работа на индивидуалността в опита й да преподрежда себе си в бързо променящата се голяма рамка.
Така онова, което в началото нарекохме идиотизъм и неврастения е всъщност компенсаторна и естествена вътрешна битка за оцеляване на личността под формата на небивала преди динамика. По отношение на живописта това е опит тя да остане живопис в света на мрежата.

Saturday, December 3, 2011

4-D Portraits






"Introspection", acrylic on canvas, 95/115 cm, 2014


 ‎"Reconstruction of the ego",acrylic on canvas, 160/230 cm, 2012







       "Purification of the desires", acrylic on canvas, 160/230 cm, 2012




                                          "Auto Interrogation" , Acrylic on Canvas,143/220 cm, 2012 



                                           "auto-revelation", 130/200 cm, acrylic on canvas, 2011.



                                         "auto-contradiction", 130/200 cm, acrylic on canvas, 2011.



The first three works in a new series of paintings. The images are a simulation of 4 dimensional reality.

Sunday, November 27, 2011

ПСИХО-БЛИЗНАЦИ

My contribution to the group exhibition "ПСИХО-БЛИЗНАЦИ", 2006.

Completed Object...

Working Process...

Under construction...


Video work: "The Mechanical dissection of a free expression of infinity...":

http://www.youtube.com/watch?v=mMSBI_jxPx8



ПСИХО-БЛИЗНАЦИ

Куратор: Руен Руенов

...Живописецът Богдан Александров създаде концептуален цикъл живопис въз основа на рисунки на своята аутистична дъщеря Емилияна Александрова. Тя рисува с терапевтична цел акварели, които освен с огромното си количество се отличават с крайно проста структура и механична повторяемост на мотива. Мисля, че рисуването за нея освен създаването на образ, вероятно в по-голяма степен има смисъла на процес. Богдан възприе модела на изразяване на своята болна дъщеря като основа на най-новите си картини като включи в тях текстове от Конвенцията за правата на хората с психически увреждания. Като метафора на общия им живописен проект и неговата особена естетика той създаде видеото "Механичен анализ на свободното изразяване на вечността", което от своя страна доведе до оформянето на рисунките на Емилияна във вид на обекти изразяващи процеса на създаването на образи.

Friday, November 25, 2011

Formats for the infinite

ФОРМАТИ НА БЕЗКРАЙНОТО: МАНИФЕСТ





Светът се възприема чрез сетивата (рецепторите) и разума. Когато параметрите на рецепторно възприемане са различни, светът се осмисля по различен от смятания за нормален начин. В следствие разумът реагира чрез оставане отвън. От гледна точка на науката състоянието е “аутизъм”. Характеризира се с повтарящи се действия, доведени до съвършенство. Ако резултатът е изображения, то зад тях стои самодостатъчен личностен свят, който търси своите параметри за глобалното, а за динамично равновесие открива своите дълбини в полето на несъзнатото. Изображенията са пресечната точка между света на видимото, претворимото и обяснимото и света на невидимото, непознатото и неподлежащо на декодиране. Проектът изследва конкретно проявление от невидимия спектър, чрез въвеждане на изображения от него в контекста на съвременното визуално изкуство. Тези изображения, разположени във видимото пространство, са манифест.





Friday, October 28, 2011

Mixed





A diverse exhibition featuring mixed techniques, giving visual substance to the interplay between the shared public experiences and the personal interpretations of these realities. The diversity of technique includes contemporary painting in large format and in a series of 10 small works which unify into one rythmatic piece; a storyboard for video art in 15 units, realized in acrylic, pencil and marker on paper mounted on frames; a digital photograph mounted on plastic panel; and 3 works of video art.

The public spaces are governed by social convention and the enshrinement of these conventions in law; such conventions and legislations are based on the concept of a generalized common man, however there also exists an individual man who is constantly forced to operate in this social minefield. Such a man may be found in such diverse forms as a terminally ill patient, dying in transit to the hospital, experiencing a moment that no man can truly appreciate, a moment that places the common man into the forced perception of a condensed reality, making him feel his individuality as it and our conventions are swept away by the inescapable reality of impending death; the individual may also be found in the prisoner long sense dead yet having left some trace of his existence in scratched markings in his cold stone cell beneath the ground in some ancient fortress, leaving some evidence of his personal reality while marginalized by empires and eons of rewritten histories; or in the drawings of a mentally handicapped child’s representation of infinity we may see this individual’s existence even as law tries to assimilate her into a broader definition of the common man. In all cases, there exists an uneasy interplay between the attempts of law or society to assimilate or rule these individuals and the reality that their experiences remain consistently outside the understanding of the common man.


“mixed” attempts to take several examples of the individual’s confrontation with society and translate them in condensed form into a visual presentation more readily accessible to society at large. The diversity of the exhibition allows for variations of taste and understanding while still challenging the spectator to venture farther afield and experience more than he or she would normally given that all is equal. “the physical manifestation, on a public landscape, of a personal space” is the representation of a mentally handicapped child’s personal interpretation of infinity made of Styrofoam panels arranged on a massive scale across the face of a tall building, presented in this exhibition in the form of a digital photograph mounted on plastic panel. “the contamination of a personal space by social dialogs in 10 examples” is the inversion of “the physical…”, here the child’s drawings are represented in the form of 10 small acrylic paintings, but these have been corrupted by the laws and generalizations of society entering her world by the juxtaposition of legal documents pertaining to the situation of the mentally handicapped in the European Union. “marking time” is a series of 9 small drawings made from stills taken from the video work “time, unmarked”, both works bringing focus to, and interpreting the markings of time left in the dank cells beneath an ancient fortress by inmates destined never to see the light of day again.

"time unmarked"

The storyboard also presents 6 representations of an individual’s sensation of experiencing chaos which forms the basis for a new video work, this is presented in an aesthetic mode surrounding the “marking time” storyboard. Also presented are two large format acrylic paintings incorporating both the drawings of infinity by a mentally handicapped child and an absurd juxtaposition of an operating manual for vacuum cleaners and the even more absurd

“instructions for ozone distribution in the European union”, the two paintings present the gulf that exists between her reality and that in which we occupy by reducing that distance and physically uniting their symbolic representations of those selfsame distances.

Lastly, “2(pi)R”, portraying the final moments of a terminally ill patient making one last trip to the hospital in an ambulance; the video represents these moments, and suggests the drama and realizations of the patient through the humanization of one of the wheels of the stretcher on which she is laying, as it treks the distance between her apartment and the hospital.

Sunday, September 11, 2011


TOWN SYMBOL AT THE ENTRANCE OF SAMOKOV

Explanation of the proposal:
A monumental sculptural composition, conceived and to be achieved with a typical and categorical constructivist approach through the organization of the direct interaction between three primordial materials. Metal, stone and light have each played a decisive role in the history of mankind’s development. Over time, positive and desirable symbolic meanings have become part of the description of their content and quality. Anthropologists have named several epochs of our history after the first two of these materials; while those who look toward the future propose that the next great epoch will be named after light as this “material” will continue to be integrated into our culture as a medium for the transference of information.

The three materials have several possible and simultaneous symbolic meanings: stone representing the natural world in which man lives, steel suggests the ingenuity of man in extracting from and then transforming what the natural world provides him to build a world he conceives in his imagination, while light represents the elusive, and yet ever-present spark of inspiration that pushes man forward in his development; the materials also suggest three epochs in our history: stone for our first moments in pre-history, steel for our modern age of industry and technological development, and light for a future we dream of but have yet to realize. The symbolic meanings attached to the choice of materials are applicable and are understandable to any town or society anywhere in the world, but carry greater significance and emotional weight when applied to the town of Samokov in which these materials are recognizably part of the natural environment and where these materials have historically been decisive in the foundation and development of it’s culture and society.



Composition:

A dynamic plastic form developed from five diagonally ascending granite monoliths. Steel trusses with rationally geometric segments, connect and organize in a corporeal spiral and appear to overcome gravity. An intensification of the sensation of observing a phenomenon is augmented by the ability to "transform" the sculpture’s observable “aura” during the night. This original compositional integration of the three chosen materials creates an overwhelming impression on the observer of the natural physical location of Samokov in the mountains, the town’s historical connections with metal and the aspirations this metal once gave the inhabitants for a better future, as well as the simultaneous inspiration,(created by the illusion of light lifting granite blocks upwards in defiance of gravity), that whatever can be thought of can be accomplished. By situating the work in the center of a physical environment dominated by a circulating motion in a (horizontal) plane, the work naturally merges with the physical forces and energies of the environment. The sculpture becomes a "participant" in the dynamism and organization of the site. And through its shape, it symbolically redirects these forces into a vertical direction, as a kind of plastic metaphor for delivering messages to and from this place to another.

Constructive description:

A rigid structure will be built with time tested quality materials - granite and steel. Through-out the entire height of the form, each block of granite will have four holes drilled completely through them in strategically calculated locations allowing four massive steel rods to pass through the blocks; the four rods will connect each individual level of steel trusses with the one above and the one below. The trusses will be pressed and securely attached to the granite blocks by means of the metal rods passing through the blocks. All parts will be organized into a single monolithic and compactly unified construction. At the base below ground level will be a massive foundation of reinforced concrete, it will similarly be part of the structure as a whole in the function of a counter-balance to the upper structure, thus stabilizing the forces at play in the over-all construction.

Landscaping:

The immediately surrounding terrain where the work will be located will be landscaped to further accentuate the integration of the sculpture into the site as well as to act as a conceptual stage on which the work will be presented. A semi-circular dry stone masonry retaining wall will be constructed at a shallow angle for the purpose of leveling out the immediate area where the actual structure will be erected. At the periphery of the circle, “scattered” groups of Japanese Maples (Acer palmatum), which grow to a low height (3-4m) will be placed strategically to help “frame” the work by creating specific and attractive vantage points for the viewers; this particular type of tree has been chosen for it’s natural beauty, as well as it’s typical reaction to the changing seasons: flowering in spring, green full leaves in summer, crimson in the autumn and leafless in the winter. Short shrubbery will be arranged along the top of the retaining wall to further complete the framing of the structure as well as to conceal the energy saving lighting which will illuminate the monument during the night. The remaining exposed earth will be covered with attractive short turf-grass to complete the over-all unity of the site.

Monday, June 6, 2011

8 seconds of my life. An Exhibition in 4 dimensions
















8 seconds of my life. An Exhibition in 4 dimensions
Argumentation
Science uncovers the theories which provide rational explanations for the physical world’s structure. From the start of the 20th century up until the present day we have been the witnesses to the amazing and unexpected developments of new theories and technologies: Quantum Theory, the General Theory of Relativity, String theory and the conceptualization of space-time as a more accurate perception of reality. Our expanding knowledge has achieved unexpected results, the ramifications of which reverberate far beyond the field of Physics. The accelerated development of science has led to the emergence of new border forms and to hypotheses, which common linear thinking finds hard to comprehend. The intuitive path of knowledge of the world and human self-awareness develops in parallel. In contemporary art concepts like hypotheses, explorations, paradigms, evidence or projects sound natural in the expression of phenomena from the real physical world. Art acquires the ambition and strife for understanding to find the answers to complex metaphysical questions about the infinite and eternal, and about man’s position in relation to them.

Concept
Emotions and feelings are a basic component of human existence: the result of already formed attitudes to phenomena and objects.
Are our emotions polarized inherently or do they get a positive/negative charge through the designating system formed in preceding contexts?
Can we control the emotions and feelings we experience, and is it possible to choose them?
Is it possible to direct our lives through the self-conscience choice of attributing a negative or positive interpretation to any particular emotional experience?
Can we achieve self-cognition/knowledge through what we feel?
Concretely, the project will explore and strive to find the answers to the above questions through the interception of metaphysical postulates regarding the relation of man to world with the practical application of the capacities of technology to transfer images in real time; and with the artist’s confidence that thoughts generate our reality, that what we have abstractly conceived has already started practically to manifest.
The human mind has knowledge of 3-dimensional space yet finds it difficult to imagine the 4th dimension. We see 2+1 dimensions, though truly seeing in 3 dimensions would have to allow for seeing all aspects of the object simultaneously.
Let’s reflect on what could happen if we manipulatively integrate intervals of time into static images?
8 seconds of my life will aim to create an experimental situation introducing a new paradigm of time and one new vision of how thought may perceive the multi-dimensional world in its infinite diversity. In Art, is the statement that the present moment contains the whole time-Eternity possible? Is it possible to depict 8 emotional states in 8 seconds that have united the past of memories and the future of expectations …
Realization
I will create images - self-portraits expressing 8 of my emotional states adding to each of them 1 measured unit of time (a second) by video recording the image at a specific speed. The created images – 16 unfocused self-portraits – will represent 1-second overlaid images or motions (8 will have black backgrounds and will be paired with 8 other identical works, only with white backgrounds), each of the series of black or white will be mounted on 2 opposing walls in a 4-walled closed space. The second pair of parallel walls will be conditionally transformed into parallel ‘mirror windows’ by projecting on their surfaces real-time video images (from 2 cameras mounted in the exhibition space). Each camera will ‘see’ the space with the works and the visitors within. Feedback projection will generate the effect of images endlessly repeating one inside another – the electronic metaphor of the candle effect: a candle placed between 2 parallel mirrors. The technologically achieved image will add a delay to each endlessly repeating real picture, which more or less will give a visceral sensation of time stretching from the present backwards into a possibly infinite past. By these means, these 8 seconds of my life and the interactions of their spectators will transfer to an infinite past in a readily visible manner. The outcome will be a full transformation of Space through images that conditionally generate Time.

8 секунди от моя живот. Изложба в 4 измерения.

Аргумент

Науката създава теории, призвани да дадат обяснение за устройството на физическия свят. Пътят към създаване на една общовалидна теория, обединяваща всички основни физични сили - Теория за всичко - преминава през формулиране на фундаментални физични теории, които впоследствие се превръщат в частни на създадените след тях. През целия 20-ти век и до момента през настоящия век сме свидетели на изумително, невиждано развитие на теориите и технологиите: Квантова механика, Обща теория на относителността, струнни теории, измерения на пространство-времето. Познанието постига неподозирани, непознати до момента резултати не само във физиката. Ускореното развитие на науките води до появата на нови (интер)гранични форми и до хипотези, които нормалното линейно човешко мислене трудно е в състояние да осмисли. Паралелно се развива интуитивният път на познанието за човека и света. В съвременното изкуството звучат естествено понятия като хипотеза, изследване, парадигма, доказателство или проект, за да се изрази явление от реалния физически свят. Изкуството се сдобива с амбиция и стремеж за разбиране и намиране на отговори на сложни метафизични въпроси за безкрайното и вечното, и за отношението на човека спрямо тях.

Концепция

Емоциите и чувствата са даденост в човешкото съществувание. Те са резултат от формирано отношение към явления или предмети.

Присъщ ли е полярният характер за нашите емоции или те се сдобиват с положителен/отрицателен знак чрез означаваща ги система, формирана в предишен контекст?

Можем ли да контролираме емоциите и чувствата, които изпитваме, и възможно ли е да ги избираме?

Възможно ли е чрез техния избор да направляваме живота си?

Можем ли да постигнем себепознаване посредством това, което изпитваме?

Проект 8 секунди от моя живот изследва и се стреми да намери отговори на горните въпроси посредством пресрещане на метафизични постулати за отношението човек-свят с възможностите на технологията за предаване на изображение в реално време и увереноста на артиста, че мисълта поражда реалност, и че това, което сме измислили вече е започнало да съществува.

Човешкият ум познава триизмерното пространство и трудно може да си представи четвъртото пространствено измерение. Ние дори виждаме 2+1 измерения. А виждането в три измерения би позволило да се виждат едновременно всички страни на обекта.

Нека да размислим какво би се случило, ако манипулативно интегрираме единици време в изображения?

8 секунди от моя живот цели създаването на експериментална ситуация чрез въвеждане на нови парадигми на времето като последователен начин, по който мисълта възприема многоизмерния свят в безкрайното му многообразие. Възможно ли е (в изкуството) твърдението, че настоящият момент съдържа цялото време - Вечноста? Възможно ли е изобразяването на 8 емоционални състояния в 8 секунди успели да съберат миналото на спомените и бъдещето на очакванията ...

Начин на реализация

Създавам изображения-автопортрети, изразяващи 8 мои емоционални състояния, като добавям към всяко по една мерна единица време (секунда) чрез заснемане на изображението със съответна скорост. Създадените 16 дефокусирани автопортрета, всеки от които представлява едносекундно насложено изображение-движение (8 от тях са на черен фон и по двойки са идентични на други 8 създадени на бял фон), които монтирам на 2 срещуположни стени в затворено пространство с 4 стени. Втората двойка успоредни стени условно трансформирам в успоредни огледални прозорци” чрез прожектиране върху тях на заснетото в реално време изображение от две монтирани за целта камери. Всяка от камерите вижда пространството с творбите и зрителите движещи се в него. Чрез feedback прожекция се постига ефектът на повтарящото се до безкрайност едно в друго изображение - електронният аналог на ефекта на свещ (лъч светлина), поставена между две успоредно разположени огледала. Постигнатото посредством технически устройства изображение добавя забавяне към всяка от повтарящите се до безкрайност реални картини. 8-те секунди от моя живот се пренасят в миналото до безкрайност. В резултат се постига цялостно трансформиране на Пространството посредством изображения, които условно генерират Време.